井上雄彦の名言

カラスはよく見ると美しく力強い姿形をしていて、時々見惚れてしまいます。他の生き物にも言えることですが。

生きるとは…的なことだったりとか今の時代に受けようっていう気持ちももちろん勝負論の中でありますけど、でももっと大事なのは何年経っても、どの世代でも、何か普遍的なものがあるっていうことが大事だと思っているんでね。

みんな、自分が成長するためには、逆境みたいなものが必要だって本能的にわかっているんだろうな。

臆病を超えて前へ出ていく勇気、それが「強さ」。強さは臆病とは相反しない。

絵を描くこと自体が楽しい、そういう瞬間もありましたね。

僕の心の内側で、ガウディと共有できる部分があるとしたら、自然に対する畏怖の念や、絶対的な信頼じゃないかと思います。

昔、すごく調子が良かった時に5時間で3話分できたことがあった。

僕にとって「スラムダンク」のラストは「ああ、こんなに良い終わり方はないな」というものでした。

一番嫌なのはやっぱり「変わらなくなること」なんですよね。

武蔵を描くことで、「日本人とは何か」というテーマにたどり着けたらと思っています。

やっぱり読者がいなければ漫画は成立しないんです。

何かが作られていくプロセスに「これは面白い」と人々が惹きつけられて、より良いものになっていく。それはマンガの連載もそうですね。

僕は最初「ドカベン」の模写で始まっていますからね。小学校の頃、「ドカベン」を見て絵を描いていました。

自分がコントロールしてどうこうって描いた途端にこざかしいものになるのは目に見えているじゃないですか。

漫画家であり続ける為に漫画を描くみたいなことって全くやる気はない。

山に登るという感じですよね。一回入らないといけないんで日常から切り替えて。

時代も国も取っ払っても通じるようなもの…。人間ってことだと思いますけど。人間を描けるかどうかじゃないですかね。

体を動かすとか、散歩しているだけでも、絶対にいろいろなことに気づくと思うんです。歩くのは意外に大事なことですよ。歩いているとやっぱり見えてくるものが違ってきます。自分も歩きながらアイデアとか、ネームとか、よく考えています。

読者のレスポンスは先の展開にも作用します。それは、「読者の要望に応える、顔色をうかがう」といったものではなく、より創造的なやり取りになっていく。面白い漫画の場合はきっと、作者が一方的に作っているものを見せているというより、作者と読者が一緒に作っている感覚が生まれるんでしょうね。

いい漫画を描きたかったら自分が成長するしかない。

レベルは上がることはあっても下がることは絶対にありえない。

漫画家という仕事としては、「読者が求めるものを提供する」どいうのが正しい姿だと思うんです。けれど、それが勝ちすぎて、自分の原初の楽しみとか、面白さとか、やっている時のわくわく感みたいなものを殺してしまっては、もう全くの本末転倒で、自分が疲弊するうえに、きっと漫画としても駄目ですね。いいものができないと思う。自分の間合いで仕事ができなくなるから。

自分に対して「本当にそれは自分かよ」と問うた時に、ちゃんと「そうです」って答えられるようでありたいですよね。

やっぱり読者がいなければ、マンガは成立しないんです。自分の内なる衝動みたいなものを爆発させようと描いているわけでは全くなくて、読んでくれる人がいるからこそ描いているんです。

心からの思いを、傷つくのを回避するために早々に引っ込めてほしくない。僕らは何かの結果のために今を生きているのではない。挑戦の一瞬一瞬が、本番の舞台だ。

「光」を描くために「闇」を描く。

「リアル」は「普通のもモノ作り」といえばいいんでしょうか。材料が目の前にいくつかあって、僕はそれを料理するというか、組み立てる。そういう工程が「リアル」なんですね。

おてんとうさまに身を委ねて、何かしら良い物ができたらいいなと思っています。

人物というのはもうキャラクターですから、「自分が知っている範囲」の絵にどうしてもなっちゃって、なかなかジャンプできません。

マンガの絵は、どこか「分かったつもり」で描いている。そうじゃないと描けないんです。「こういう顔なんだ、こいつは」というのを決めないと成立しない。でもずっとそれをやっていると、「何かがくっついちゃっている状態」になっちゃう。

最初の頃とかは、どんな反応をされるとか、まさにわからないで描いていたりするので。自分が思った以上に周りが反応してくれているっていうのはありました。

自分が例えば「スラムダンク」を書いて、「ああ、井上雄彦はバスケマンガの人だな」と世の中から見られるようになったときに、ずっとそこにいるのはもう絶対に嫌なんですよ。

幼い頃は「1・2の三四郎」や「ドカベン」などが好きでしたが、「男組」から池上遼一さんに傾倒しました。

心の在りようだと思います。心の静かな感じの時は割りとすんなり描けます。

自分の内側を掘ったら結構広いというか普遍というか広いスペースがあるんじゃないか…。

どんだけこの作品で成長させてもらったってこととか、すごいひしひしと感じる。

下書きの時に思っていた以上に自分の思っていた以上のいい顔ができる時ってあるんですよね。

プロフェッショナルとは向上し続ける人だと思っています。

自分が本当に地面の高さに戻るというか、何も持たない状態にまた戻れる感じがして、今回の仕事ではそれがすごくうれしかった。何も持たない感じがすごく気持ちいい。

「何らかの価値がある絵を描かなきゃいけない」とか、「誰かに期待されてそれに応える」絵ということじゃなく、誰も待っていない絵を、誰にも頼まれずにただ描く、そういう人になりたい。

まず自分ありきなんじゃないですかね。自分から発しているもの、出発点が自分ということと、「何か他のものになろう」としていない限りにおいては、他人の期待や意見を受け止めても大丈夫なんじゃないですか。

相手に合わせて、相手の距離で戦っていると、自分が戦いのイメージを先取りできない、ゲームを作れない感じになってしまう。逆に相手は先の予測がついてしまう。面白い漫画って、読者が「この主人公、いったいどうなるんだ？」って思うものですけど、それができている時は、作者の方が自分の間合いで戦っている感じなんですよ。

いかに分かった気にならないかが、楽しく描けるかどうかの分かれ道。

僕が今、「一番売れているのは「ＯＮＥＰＩＥＣＥ」だから、「ＯＮＥＰＩＥＣＥ」っぽくしよう」みたいなことをやったら、きっととんでもないことになる。僕が、あるいは他の作家さんが「ＯＮＥＰＩＥＣＥ」になろうとする必要は全然ない。それと同じで、漫画じゃなくてもどんな人にでも当てはまると思うけど、何か他のものになる必要はない。その人が見つけた自分の必然に従えばいい。

連載はライブですね。生き物ですね。だから話の先がどっちに転ぶかというのも作者自身も分かってなかったりするし、まあ、生なものですよ。

スラムダンクのラストのときのような状態に自分が入っていくことを期待して、いろいろまわりから作っていったけれど、そうはならなかった。結局ワクワクしてこなかったんです。まだ「そのとき」ではなかったんでしょうね。僕が勝手に、「今がその時」と決めつけていたんでしょう。

小次郎に限りませんが、たいていは計画にはないことを登場人物が始め出して、それでその人物を好きになったり、「この子は何でこうなんだろう」というのを考えだして、もともとなかった設定を考えたり、脇役のはずが主人公級になっちゃう。そういうときは最初は「我ながら無茶なことをやってるな」と思うんだけど、でもやり始めると自分が乗ってくるというか、キャラに乗せられて、こっちも乗ってくるようなところはありますね。

弱さを経ていない強さはない。

筆のやりたいようにいくっていう感覚が強い。

終わると分かってから色々な思いって出てきますよね。

「何かに気づく目」というのは、少なくとも急いでいる時には使えない。

大切なパーツは目です。

と肉体を一体化させる。